NOTAS Y RECITALES VIVIDOS
Sofía Viola y Esther Diaz en el ciclo "Lo personal es político"
El pasado jueves 20 concluyó el ciclo “Lo personal es político” con la participación de Esther Diaz y Sofía Viola en el Teatro Hasta Trilce. Por Mauro Vallejos y Martín Lopez Giesso. Foto: Sofía Mazzaglia
La imagen que cierra el evento es Sofía tocando el ronroco y Esther golpeando un bombo legüero con un consolador de goma.
Si uno visualiza todo eso no puede imaginar que antes se dieron momentos de suma intimidad. Charlas sobre la infancia y los mandatos hegemónicos del patriarcado.
“<La honestidad de la mujer se mide de la cintura para abajo>, eso es lo que
escuchaba en mi casa, o el hombre que decía <serás mía o de la muerte fría>. Esto era un lugar común. Teníamos que ser para ellos o sino para nadie. Lo peor es que de
muy chiquita yo quería estudiar y terminando el primario me entere que no me iban a dejar hacerlo. Porque las estudiantas se echan a perder, se hacen putas” lamenta Esther Diaz, que consigue abordar debates sensibles con una naturalidad brillante.
Por otro lado, Sofia Viola mencionó sus inicios musicales diciendo que a los 15 años su papá le dijo “tenés que cantar tango, y para cantar tango tenés que emborracharte, enamorarte ,desenamorarte y vomitar”.
La escenografía esta compuesta por varias telas blancas en las cuales se proyectan imágenes y una mesita con dos sillones donde conversan las invitadas.
El factor humorístico está presente durante toda la velada, se salta del drama a la risa periódicamente, mientras Viola toca “Caca en la cabeza” Diaz se come una banana y observa impresionada. Todos los debates son acompañados por una canción, como “La devota” de Carla Vaccaro o una canción de cuna en la que el padre esta colapsado por un niño que no se duerme. El clima es de tal distención que Esther se prende un porro y le convida a Sofía mientras canta.
Respecto a los cánones de belleza Diaz dice que nunca pudo relegar la cosmética “A veces me dicen las feministas, <¿Y Foucault que diría?>, me chupa un huevo lo que diga Foucault”.
Para el final Sofía entona la cumbia “No me des merca” mientras Esther menea y el público se levanta de sus asientos.
El ciclo Disidencias se llevó a cabo todos los jueves de septiembre y tuvo personalidades como Tita Print, Vanesa Orieta, Marlene Wayar y Mariana Komiseroff.
Ojalá se repita para seguir pensando que “lo personal es político” desde una perspectiva feminista, teórica, poética y musical.
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Sig Ragga presentó EP
Sig Ragga se presentó el sábado 14 de septiembre en el Konex. Por Mauro Vallejos
El motivo fue la gira de presentación de "Relatos de la luna. Parte 1". Un EP de 3 canciones que dará paso a otras dos partes más que saldrán en octubre y noviembre para consolidar el concepto del disco.
Sus más de 20 años de historia son los que le permitieron armar su propia teatralidad a la hora de tocar en vivo. Vestidos y maquillados para la ocasión con túnicas negras y sus caras pintadas de blanco, sonaron canciones como “Arlequín”, “Girasoles”, “En el infinito”, “Pensando” y “Continuidad de lo indecible”
También apareció “Tocando el cielo”, una de las 3 canciones que integran el nuevo EP que muestra un giro en el estilo de la banda.
La propuesta de Sig Ragga no es la de un grupo de reggae pero tampoco es de rock, es una mezcla que pulula por el jazz, la música clásica, la tarantela y el ska. A lo largo del show no dicen una sola palabra, muy involucrados en que sea una especie de obra de teatro.
Todo está potenciado por un juego de luces extraordinario, las caras de los músicos mutan entre el azul y el verde. Cuando suenan tonos menores la iluminación acompaña la oscuridad y en los momentos de mayor festividad abundan los rojos y amarillos.
En la misma lista de temas se muestra un hilo narrativo, ya que luego de tocar “Escalera y barco”, canción que relata la historia de Noé, cantaron “Esperando la magia”, de su nuevo EP, que muestra su postura aclarando que la Iglesia y el Estado tienen que ser asunto separado. Luego de esta sonó “Resistencia Indígena”, que hace alusión al proceso colonizador en América Latina, y “Un grito impotente”.
Las ideas se terminan de aclarar cuando suenan “Severino De Giovanni”, dedicada el referente anarquista, y “Matata”, con su potente lírica: “vamos favoreciendo el mundo encadenado / cada vez que te dejas mandar, americano”
El final del show lo componen “Feliz” y “Chaplin”, el piano toca una especie de cajita musical y las luces del escenario se van apagando de a poco.
El PAN nuestro de cada jueves
Santiago Vazquez creó PAN, una banda de percusión guiada por su lenguaje de ritmo con señas. Escrita por Mauro Vallejos, foto cortesía de Prensa PAN
Bienvenidos a este ritual pagano donde los ritmos se rigen por las manos. Un equipo musical que pareciesen los Harlem Globetrotter de la percusión. Todos tiran sus magias en sintonía con cada integrante del grupo.
Desde que Santiago Vazquez puso en marcha su máquina de ritmos, aparecieron a nivel mundial más de 150 grupos anotados en la asociación de percusión con señas. Más de 25 países hablan este idioma, quizás esta universalización proviene de sus tantísimos viajes a diversas partes del mundo en pos de buscar los secretos de cada folklore, de cada estilo.
La paleta de colores de PAN es enorme, desde la rítmica latinoamericana con bombos legüeros y cajones peruanos, personificada en Facundo Guevara, hasta la electrónica y voces procesadas de Nico Cota.
La calidez de la voz de Milo Moya marca la presencia del sonido urbano, cuando uno lo ve haciendo beat box no puede entender cómo aguanta el aire y la saliva durante las casi dos horas de zapada. ¿Con quién se ensambla? Con maestros de la música como Sergio Verdinelli que se encarga de la batería con la mística de las Bandas Eternas de Spinetta.
La sonoridad del grupo se destaca por mezclar distintos timbres, hay sonidos afrolatinos provenientes de los bongó, congas y timbales de Carolina Cohen. Pero también hay percu electrónica y voz de Nicolas Sorin.
Acá podríamos decir que cada músico sería una ciudad con su estilo. La maravilla proveniente del sintetizador del Mono Fontana da un respiro en ciertos momentos en que el ensamble necesita un descanso. Cheikh Gueye, por su parte, aporta con la rítmica africana y Gonzalo Arévalo con la árabe en instrumentos como el daf.
Pero cuando Santiago creó ese sistema se imagino algo ligado a lo lúdico y a los deportes, por eso hay un concepto de equipo. Las reglas del juego son 10 dedos que arman figuras y marcan el tempo del Complejo Art Media (C).
C es un recinto para 4500 personas, cuenta con un espacio para hacer acro-yoga, una cancha de fútbol tenis y 3 aros de básquet. Además de mesas de ping pong y tejo. Como una playa en medio de Chacarita y en invierno.
El PAN es grande, se rompe y se comparte con distintos sabores. Hay para todos los gustos. El nuevo desafío tímbrico de la percusión se presenta todos los jueves en C.
Científicos del Palo en Mar del Plata
El trío se presentó en Abbey Road para reencontrarse con el público de su ciudad y jugar más locales que nunca. Por Mauro Vallejos
El telón se abre y detrás de él Científicos del Palo da la bienvenida con “Movistar o Muerte”, una letra que relata la tercerización laboral y la dependencia de la tecnología con riff de guitarras demoledores, seguida de “El cura, el militar y el dueño de las vacas”. Ambas de Gorilophrenia, uno de sus discos más emblemáticos.
Pero la banda también muestra un arsenal de canciones que integran Justicialista, su último álbum que describe el vivir en Mar del Plata con temas como “Marplatense” o “Mar del Platano”.
Y como para ellos todo arte es político, su cantante “Pepo” San Martín aprovecha para criticar a Carlos Arroyo, el intendente de la ciudad. Los presentes acompañan apasionados aquellas canciones que hablan sobre la realidad política.
En medio del show aprovechan para presentar “Mulo”, una canción nueva con pulso funk y una letra que defiende a la clase obrera y ataca a la derecha.
Por momentos el show pareciese transformarse en un espectáculo de stand up ya que Pepo no para de hacer comentarios para entretener a los presentes. Desde las recomendaciones que su abuela le dio acerca de las fiestas electrónicas hasta chistes (otra vez) a Arroyo catalogándolo como un “viejo nazi e inútil”.
Durante el principio de la noche tocaron bandas como Luceros, Sahumerios de Metal y Exiliado. El grupo les agradeció su participación y siguieron sonando temas como “Los Gomías”
Para el cierre, la emotividad de “Mantenerse en el camino” se maridó con la oscuridad de “Tratar de tratar”. El final fue con “Cristo o Perón” donde montones de dedos levantaron la V despidiendo a este power trío justicialista.
Looperas y groove uruguayo
El uruguayo Martín Buscaglia se presentó en La Tangente el jueves 16 de agosto en su formato “Hombre Orquesta”. Crónica de un recital entre looperas, guitarras criollas, beatbox y bajos grooveros. Por Mauro Vallejos
Sin mucho aviso las luces se apagan y Buscaglia ya esta arriba del escenario tocando los botones de su loopera. Graba una base haciendo palmas y sonidos con la boca, luego se cuelga el bajo y empieza a zapar, hace señas preguntando si esta bien el volumen pero, dando por sentado la respuesta, le sube un poco más.
Cuando el clima esta en su mejor momento corta la música y se pone a explicar que eso sólo era una prueba de sonido para dejarle todo listo a su amigo Gonzalo Brown.
El repertorio de Brown mezcla reggae con rock y melodías alegres con letras contestatarias. Sólo con su guitarra y un buen feeling con la gente despliega canciones como “Pegando alto”, “Música, oh música” y “Colombia” entre otras.
La vuelta de Martín al escenario es un poco más pacífica pero no menos maniática que la anterior. Sentado con su criolla hace “El toscano del papa” y “Visionarios”. Luego el show se convierte en una conferencia en la que reflexiona acerca de la emotividad que produce escuchar al público cantar al unísono una canción. Despliega teorías, suposiciones y conspiraciones basadas en la temática elegida.
Con “¿Qué importa el bla bla bla?” vuelve a conectar su loopera y en “Viajar contigo es como escuchar la vida secreta de las plantas” implementa un extraño nuevo instrumento: ¡el juguete Simon!, tocando cada boton de color reproduce una nota distinta que forma la melodía central del tema.
El despliegue de instrumentos y el manejo del escenario hacen una experiencia completamente distinta de las de un concierto formal, se nota la cantidad de años, discos y conciertos que lo han convertido a Martín en uno de los músico más emblemáticos del Uruguay. Las charlas con los presentes generan un clima de intimidad que invitan a la reflexión y a la carcajada y lo vuelven uno de los ejes centrales del show.
Cada canción es tocada a su manera y tiene su historia. Hay un calipso dedicado a Leroy, el personaje interpretado por Gene Anthony Rey en la serie “Fama” de los años 80, o una canción nueva compuesta junto a Fernando Cabrera, o “Juan, la sirena y el mar”, donde arma una coreografía para que todos repitan.
Para el final invita a Brown y hacen una mezcla de clásicos arriba de un loop de cumbia mutante. Ahí suenan “No vamos a cambiar de bando” y pedacitos de todas las canciones que durante el show generaron revuelo.
El salón se convierte en una pista de baile y Buscaglia enciende un fuego que contagia multitudes. Pareciese un gran fogón en el que todos se comprometen para que nunca se apague y la fiesta siga toda la noche hasta extraviarse y explorar, porque, como dice “Visionarios”, ambas palabras comienzan por la misma sílaba.
El tango nuestro de cada miércoles
La Orquesta Típica Fernandez Fierro se presentó, como casi todos los miércoles, en el CAFF, su propio espacio. Crónica de un show oscuro y demoledor. Por Mauro Vallejos
Bandoneones arrabaleros que se abren largo y lejos en la nocturnitad porteña, la cantante Julieta Laso escupe todo el asfalto con una voz sucia y rencorosa que hipnotiza a cualquiera.
La Fernandez Fierro suena con una potencia asombrosa, es realmente conmovedor verlos en vivo porque logran sumergirte en un mundo que ya tienen aceitadísimo. Un show conciso y calibrado a la medida del CAFF, su propio espacio. Cada violín y cada bandoneón se escucha con el detalle necesario, ni un poquito más ni un poquito menos, todo encaja como tiene que encajar.
Así empieza el viaje hacia la noche de una orquesta joven que suena a antigua. Letras que hablan del hoy pero que bien las podría haber escrito cualquier compositor hace varias décadas.
La estética es oscura, la iluminación pareciese centrarse en mostrar poco para adornar el clima turbio de la música.
El pecho vibra con la fuerza de cada compás y suenan canciones como “Desierto”, “Sierpe” y “Brujos y Científicos”, dedicada a la directora Lucrecia Martel que estaba presente.
La Fierro siempre fue una Orquesta comprometida con las luchas contemporáneas, Julieta canta con el pañuelo verde que reclama aborto legal, seguro y gratuito, también le dedican canciones a la familia de Santiago Maldonado y cantan “Pegue su tren”, incluida en “Cuerpo” un disco en el que varios músicos hacen “canciones a partir de Mariano Ferreyra”
Cuando el show finaliza a uno le queda la sensación que, por un rato, no tiene que sonar ningún tipo de música. Todo el concierto es un viaje imponente con canciones estruendosas como “Demolición” o “Astiyas”.
El público se retira del show, movilizado y con ganas de escuchar el próximo disco del grupo que saldrá en el mes de mayo.
Cada compás es un puñal, cada verso una pregunta a la existencia. La Fierro crece y renueva un estilo con muchas cosas para decir.
Otro martes al ritmo de las señas
La Grande se apodera de Santos 4040, en el corazón de Chacarita. Sus improvisaciones, comandadas por un lenguaje de ritmos que se transmiten a través de las manos, son cada vez más grooveras y bailables. Por Mauro Vallejos
Santiago Vazquez es de esos músicos carismáticos que se roban los aplausos del público, pero, a diferencia de la gran mayoría de los frontman, no canta ni baila arriba de un escenario. Él con un simple movimiento de dedos tiene a toda la banda y los espectadores mirándolo.
La Grande es un suceso único que cada martes se reinventa. Siempre es igual pero siempre es diferente, durante el primer bloque la banda improvisa con sus músicos fijos y en el segundo se arma una jam con cualquiera que conozca el sistema de improvisación por señas.
Los ritmos son variadísimos, pasando por el jazz, el funk, el soul y terminando en el reggae, la cumbia y hasta la música electrónica.
El sistema de improvisación por señas llegó a exportarse a América Latina y Europa, se caracteriza por simplificar montones de ritmos a los 5 dedos de cada mano. Santiago lo emprendió con La Bomba de Tiempo, grupo de percusión que él mismo creó, y hoy lo aplica en esta banda que esta formada por dos baterías, bajo, guitarra, cello, trombón, trompeta y saxo.
En el lapso que el grupo no esta sobre el escenario Villa Diamante se encarga de pasar música acompañado de Pato Smink, parte del público se queda bailando y el resto se va a jugar a las mesas de ping pong y metegol que tiene Santos 4040.
Cada martes es más festivo, cada martes es más groovero. El día de nuestra crónica la zapada finaliza con un sinfín de músicos comandados por un rapero haciendo Freestyle. La base se vuelve irresistible de bailar y así concluye otro martes al ritmo de las señas.
Foto: Anette Etchegaray - 20 segundos audiovisual
Las pasiones te acercan a tu libertad
Condición Humana presentó "Lo que somos" en un Marquee colmado de gente. Crónica de un show para el recuerdo con montones de invitados. Por Mauro Vallejos
“Sale o sale” despliega su rocanrol en un Marquee hasta las manos, los primeros trapos empiezan a flamear y Gaspar Badano, voz y guitarra de Condición Humana, da la bienvenida. A esta le siguen “Separación Infinita” y “Programación Factor Uno”.
Un corazón gigante se aloja a un costado del escenario representando el arte del disco a presentar, “Lo que somos”, también unos telones cuelgan ilustrando esos paisajes desérticos del norte argentino que ayudaron de inspiración en un viaje grupal.
Invitados hay miles, desde Martin Navello y Matías Fernandez de Camena en las guitarras, pasando por Guadalupe Amieva en el chelo y Emilio Boudgouste en la flauta traversa. Para “Somos lo que somos” se sube Francisco Rangugni en la guitarra y Florencia Sbarra en coros.
La lista repasa también clásicos de aquel primer demo como “¿Qué es la vida?”, inspirado en el libro “La vida es sueño” de Pedro Calderón de la Barca, y también “Puedo ser” de su primer disco, “Doctus filo”.
Para el final Gastón Oroño aporta su viola en “Media en la mano” y “La Suerte de no ganar” que, junto al saxo, trompeta y trombón de Tomás, Manuel y Miguel generan el pogo más grande de la noche. “Sin verse” y “Luchando al porvenir” se despiden declarando principios.
Condición es de esas bandas que se esfuerza para que cada fecha tenga algo nuevo, que produce sus recitales de forma independiente saliendo a pegar ellos mismos los afiches y volanteando en toda la ciudad. Bien merecido este Marquee que renueva la energía del disco y apunta al cierre de año, el 16 de diciembre en La Comunidad del Sótano.
Graffiti plasmado en la esquina de Niceto Club
El Kuelgue: Segundo de cinco Nicetos
La banda se presentó por segunda vez en el recinto de Palermo con entradas agotadas. Lo hará todos los jueves de noviembre. Por Mauro Vallejos.
Podríamos decir que El Kuelgue es la única banda que logra que su público grite, salte y baile canciones con letras que no tienen ninguna explicación ni una posible interpretación. Si bien hay montones de artistas que cantan con ciertos códigos que son difíciles de captar, casi ninguno hace letras en las que lo único que importe sea buscar palabras que rimen.
Y ahí ves, un Niceto completamente estallado, el segundo de los cinco que van a hacer cada jueves de noviembre, pogueando a los gritos “¿Cuál es la mirada de Eduardo y por qué se presenta así?” de “Por ahora” seguida a “Circunvalación” para abrir un show a puro agite.
El único invitado de la noche fue Juan Ingaramo (que había abierto la velada con sus propias canciones) y que se subió junto a la banda para cantar “Si te vas”. Además, un incógnito hombre en cuero con una mascara de caballo ayudó a nutrir ese imaginario surrealista que decora todo lo que hace el grupo en vivo.
Julián Kartún despliega toda su parafernalia teatral interpretando a su más popular Caro Pardíaco en canciones como “Milanesa” o corriendo de acá para allá con una cacerola luminosa que sirvió de leit motiv para el flyer de la fecha. Pero uno de los momentos más altos fue cuando se apareció desde el fondo del recinto arriba de un changuito de supermercado luminoso cantando entre el público “Amor, compresión y ternura”, una canción que parodia un video viral en youtube en el que una madre ecuatoriana quiere internar a sus hijos.
Luego de una breve introducción de “Mañana en el Abasto” de Sumo y un discurso eclesiástico en el que Kartún se convierte en un pastor de una iglesia evangélica, todos invocan a “Cristo es Marquitos Di Palma” y su legendario “¡Cumbia sí! ¡Trabajo no!”. La banda no para de citar a clásicos del rock nacional como “Escaleras” de Las Pelotas, engancha con “Dele tiempo” y “Negra candombera”
El cierre de oro empieza con “Crimen” de Gustavo Cerati sigue “Sin Parangón” y finaliza con “Tema del verano” y ese final punk que evoca al bardo general.
El Kuelgue es un zapping por diversos estilos musicales y facetas actorales, el horizonte siempre está puesto en el quilombo y el disfrute.
Melodías de Arrabal
Sofía Viola presentó su EP de tangos en el teatro Margarita Xirgú Espacio Untref el viernes 20 de octubre. Por Mauro Vallejos.
El mismísimo Fernando Noy oficia de maestro de ceremonias desde arriba del escenario, recitando un texto homenajea al tango porteño y le da la bienvenida a Sofía Viola que se ubica junto a su banda en el piso del Xirgú. Sin ningún tipo de amplificación, su voz se expande por toda la sala, ella camina entre los bancos cantando “A mi, no”, canción que da nombre a su último EP.
A esta le siguen “Juicio molar”, dedicada a una muela rota en pleno viaje por el altiplano mascando coca para calmar sus dolores, y “Santo Marcos”, donde cuenta su experiencia de largas horas en la ruta haciendo dedo.
Los tangos terminan y Noy continua deleitando a los presentes con sus recitados, luego se abre el telón y Viola aparece sobre el escenario interpretando “Errante” junto al pianista Leoni Zumbo.
Más tarde el Combo Ají se sube a las tablas, con un manejo del groove que es contagioso y que amplia su veta, desde boleros hasta blues sucios y desgarrados.
Sofía va alternando entre el escenario y el piso de la sala, vuelve a bajar para cantar canciones de Violeta Parra y algunas cuecas chilenas entre los presentes.
Cuando regresa a tocar con la banda que integran Ezequiel Borra en guitarra, coros y percusión, Juan Emilio Telechea en contrabajo, Nicolas Echeverría en percusión, Pollo Viola en trompeta y Zumbo en piano, suenan canciones como “Maribel”, “La noche deja el pañal”, “La huella en el cemento”, “La Semilla” y “Pancho en Constitución”.
Para el final del show empezaron a tocar las cumbias y los chamamés que hicieron levantar al público de sus asientos. En el bolero “La Devota”, de Carla Vaccaro, Sofía se sumerge en un trágico enredo sentimental, su voz pasea por todas las notas posibles sollozando “devoré centímetro a centímetro tu piel, amándote y odiándote a la vez”, mientras la noche le bajaba el telón al escenario.
Foto: Sebastian Ciavaglia
Mutación exitosa en Niceto
Morbo y Mambo brindó un show para el recuerdo en Niceto Club para presentar “Muta” el viernes 13 de octubre. Por Mauro Vallejos
Ver a Morbo y Mambo es como meterse adentro de un disco y recorrer cada uno de los sonidos que lo habitan, con guitarras que pasan por millones de pedales y trompetas y trombones que enredan al público en el disfrute musical
La noche del viernes 13 de octubre no era una noche más, “Muta”, el último disco de la banda, se erigió como la excusa perfecta para que Niceto se colme de gente y arranque a bailar al ritmo de “Nuevo Mood” y “BS80”.
El último disco afronta a la banda a nuevos desafíos y uno de ellos, quizás el más osado para un grupo que viene acostumbrado a los instrumentales, es el de meter cantantes que se acoplen a esas estructuras musicales tan deformes. “Pomán” fue una de esas canciones que la gente, por primera vez, cantó en un show de Morbo.
En el disco participa Santiago Barrionuevo de El Mató A Un Policía Motorizado pero en vivo Maxi Russo se hizo cargo de la voz.
Los únicos invitados fueron el Ensamble Vasco Russo que acompañó en canciones como “Camille” y que, a fuerza de vientos y mucha adrenalina arriba del escenario, dieron pié al agite.
Para el show tenían pensado invitar a Andres Nusser, ex cantante de Astro, pero tuvo en accidente con su bicicleta y la banda decidió reproducir la pista de su voz en “Plan de Vuelo”.
Mención aparte para la puesta de luces que fue increíble y se adaptaba según el clima que proponía la canción. Montones de rayos verdes, rojos, amarillos y violetas contornean las siluetas de los músicos
El cierre fue con “4-4-2” paseándose por montones de estados musicales con una variedad sonora impecable. A lo largo del show pasaron 18 temas, ¡y los temas de Morbo son mucho más largos que un tema normal!.
También anunciaron su presentación en el festival Viaje de Agua Volúmen 2 el sábado 21 de octubre en Konex acompañando a Poseidótica, Motosierra, Güacho, Atrás Hay Truenos, Las Diferencias y Hungría.
Ciencia exacta
Científicos del Palo llenó el Uniclub para el lanzamiento de “Justicialista” con un show caliente en el que mecharon canciones nuevas y los clásicos de siempre. Por Mauro Vallejos
Científicos del Palo decide abrir el show con “La Mula”, como una declaración de principios de por qué estan tocando en Capital Federal. Esta canción habla de La Mula Plateada, un recinto de la ciudad de Mar Del Plata donde dieron sus primeros pasos y les dio “la primera mano, la que llegó temprano al corazón”. La lista sigue con “El Restaurador” para sostener la perspectiva Rosista que sostienen sobre la historia argentina, su disco más emblemático.
Justicialista, el álbum que están presentando a 24hs de su salida, le canta al mar en canciones como “Seré pescado” y “Marplatense”, ambas suenan en vivo y se ve a los tres músicos felices de tocarlas por primera vez.
Pero la felicidad se ve reflejada en la cara del baterista Sebastián Quintanilla cuando dejan que el público cante “Los Gomías”, uno de los primeros clásicos de la noche.
El guitarrista y cantante “Pepo” San Martín encara los shows con el mismo humor de siempre, le hace bromas al público y cuando el iluminador prende todas las luces de la sala el cantante alude a que van a realizar un allanamiento.
El recinto se funde en aplausos cuando sube el único invitado de la noche, ni más ni menos que Ariel Minimal de Pez para hacer “Ceilán”. Se sabía por redes sociales de esta nueva amistad que forjaron las dos bandas y se rumorea que ambos cantantes están reuniéndose a componer canciones en conjunto.
El bajista Carlos “Popete” Andere desliza sus dedos con una destreza majestuosa y le pone pasión al show arengando al público. “El Dormijito” es otro momento alto donde el público canta absolutamente toda la canción.
Para el final las voces de la multitud acompañan “Código Morsa”, uno de los pocos clásicos amorosos del trío, hasta que el riff devorador de “El cura, el militar y el dueño de las vacas” desata el pogo final.
Un gran momento para los marplatenses que, con su disco recién salido del horno, suenan con una contundencia asombrosa. La fecha de presentación en Capital la anunciaron para el mes de abril del año que viene. Mientras tanto, seguirán girando por el resto del país.
Don Cabot en La Trastienda
Las callecitas de un San Telmo irreverente como horizonte, ni mucho calor, ni mucho frío. La juventud comenzaba a amontonarse alrededor del mítico teatro de la calle Balcarce 460. Con una hora de changüí, se escuchaban abrazos de encuentro. Amigos, familia, vecinos, habitués y primerizos aguardaban expectantes el sonido prometido.
”Manijas desde el Roxy”, como criterio, adivinaban entre risas el orden de la lista; ¿Arrancarían con algo del primer disco?, ¿con el nuevo corte de difusión?, ¿algún clásico? Mágica previa de un equipo que, dentro del teatro, aguardaba listo el momento de salir.
“Las canciones hablan de nosotros, de todas las historias con que estamos hechos…”, describe la banda con el corazón en la mano y Con sangre en las venas. El clima de Trastienda lo demuestra pues la emoción es compartida: La Furia De Petruza pisará ese mismo escenario, ¡una de esas noches clave! .
En agosto salió a la luz el último y afirma la banda: “el mejor trabajo de DON CABOT”, se volvió carne en el marco de un Roxy propio y explotado. Groove, Vorterix, The Roxy, Trastienda; compartidas con Barrios Bajos y Las Manos De Filippi, un rally de fechones en las tablas de los más importantes salones del rock en Capital.
El primer acorde vomitó un “¿Cómo querés que haga” a formación completísima: Cristian Ricci y Toto Chanquía en violas; Lucas Andrada, bajo; Tomas Tarlovsky, batería; Nani en percus, Boris “Body” Mandaradoni, voz; junto a Juampi, Nico y Javi, los vientos de “La sonora porteña”, como invitados.
Los de siempre coreaban, los más nuevos bailaban y se sorprendían con la claridad visceral de letras genuinas y palpitadas por Boris al micrófono y por cada uno de los integrantes cuyas modulaciones los deschavaron. Cómo no cantar si todo esto nos revienta encima. Realidades hechas arte.
Uno por uno, personajes del paisaje urbano de un Buenos Aires cagado a palos, luchan abriendo ojos, por concientizar con cada verso, por no perder la memoria y cantarle falta envido a un sistema que se llevó y lleva a nuestros hermanos. “¿DÓNDE MIERDA ESTÁ SANTIAGO MALDONADO?”, Gritó Boris a mitad del show, envuelto por una marea de gritos y aplausos. La juventud todavía palpita, bandas como Don Cabot potencian su palpitar.
El escenario rebalsó de invitados en una hora de show: Chipi de Los Pibes Losa y Agustín Rolando elevaron la voz junto a Boris en “Murga”; El Negro Maxi Giménez de El delirio de la Parca toco la guitarra en “Hermano”. Lista completísima pero atrevida, dejando con sed a la mayoría.
Parece que la manija no cesará hasta el final de un 2017 plagado de rocanroles. Prometieron que éste es el año, prometieron cantarme canciones, darme emociones y, como el de muchos otros corazones, conquistaron mis latidos.
Julieta Mendez
Fotos: Florencia Mendez Ávalos
Cuarto banquete
La Renga volvió a Capital luego de diez años con una lista de 30 canciones épicas. Crónica del cuarto banquete por Mauro Vallejos.
Pasaron casi treinta años de historia, de los cuales diez estuvieron sin tocar en Capital Federal, sin embargo, la voz de Gustavo Chizzo Napoli sigue intacta, rasgando las paredes de cada estadio que pisa.
Son las 21.30 y Huracán empieza a vibrar al ritmo de “Corazón fugitivo”, “Almohada de piedra” y “Nómades”.
Ya había pasado un pedazo de historia sobre el escenario, Alejandro Medina, bajista de Manal, brindó un show para los presentes con clásicos como “La maldita máquina de matar” y nuevas canciones como “Einstein”. Los grupos que talonean a La Renga son recibidos con un cariño y un respeto que no se ve en otras ocasiones.
Un set de vientos con Las Cucarachas de Bronce lideradas por Manuel Varela en el saxo se lleva flotando al Ducó al cielo más inalcanzable: “Motorrock”, “La vida, las mismas calles” y “En los brazos del sol”.
"Mientras yo venía para acá vi la luna, no se si alguno la vió, yo la vi posada sobre los techos de Pompeya" dijo Chizzo para dar inicio a “La nave del olvido”, antes de eso las gargantas se habían desgastado cantando a capela “La balada del diablo y la muerte” decorando el estadio con un mar de luces de celular.
Es sabido el compromiso del grupo con la lucha de los pueblos originarios debido a varias menciones en los recitales y la participación del festival Kiñe Rakiduam. “Lo frágil de la locura” fue un buen motivo para pedir por la aparición de Santiago Maldonado, mostrando su imagen en todas las pantallas.
La escenografía lleva dibujados engranajes de metal, las pantallas muestran lo que ocurre en el show acompañado de animaciones de un esqueleto que cuelga de un precipicio, locomotoras a todo vapor y túneles de piedra.
Chizzo se tapa la naríz para simular una advertencia de radio con voz nasal y luego ruge el “Panic show a plena luz del día” con la guitarra invitada de Nacho Smilari, ex Vox Dei y La Barra de Chocolate, y un lagarto inflable gigante. A su lado, Tete Iglesias y sus corridas de 100 metros llanos a lo largo del escenario y Tanque Iglesias con su carisma intacto, más flaco que nunca.
Así llega el último tramo del recital con “El Revelde” y “El final es en donde partí”
Lo de “Hablando de la libertad” es otra cosa, podría ser una canción que esté apartada de todo el recital, se prenden las luces del estadio y el paisaje es de una festividad conmovedora, se ven miles de rondas de pogo y grupos de amigos que se abrazan mientras gritan las estrofas del himno, cada oración es una declaración de principios.
Carajo en Flores
El trío se presentó en El Teatro Flores para repasar las canciones de “Atrapasueños” y “El Mar de las Almas” el sábado 5 de agosto - Por Mauro Vallejos
Todo fan de Carajo sabe la importancia que tuvo “Atrapasueños” en la historia de la banda. Con su corte de difusión, “El Error”, el trío llegó a masificarse y poder dejar su mensaje impregnado en muchas voces.
“Hacerse cargo” abrió el show celebrando a ese gran disco, con la excusa de la edición en vinilo del mismo y también de “El Mar de las Almas” en el cuál la banda había pegado un salto en el sonido.
La lista de temas era predecible, un regalo para todos los seguidores el hecho de poder escuchar al disco en su mismo orden pero en vivo.
Canciones como “El llanto espiritual”, “La huella del depredador” y “Bicho de ciudad” fueron las que pusieron al recinto a poguear desenfrenadamente.
Cuando “¿Qué tienes para dar?”, “Algo en que creer” y “De hoy no pasa” dieron fin a este álbum del año 2004 el telón se cerró y hubo un breve intervalo.
Para la vuelta, los presentes se sorprendieron con otra escenografía completamente distinta: una pantalla de led que emitía visuales y un juego de luces a cada lado del escenario que le daba brillo a la situación.
Carajo siempre apunta a una producción impactante, desde el sonido, la escenografía y los músicos, todos dejan lo mejor de sí para brindar un show de una calidad impecable.
Los brazos de Andres Vilanova se mueven con una destreza impactante demostrando ser uno de los mejores bateristas de este país, mientras que el sonido de la guitarra de Tery Langer tiene una precisión increíble.
“El Mar de las Almas” abre con el llanto de un bebe para que luego “el mundo inyecte el ácido mortal en tu sien”.
La particularidad de presentar este disco es que tocaron “Limbo”, un instrumental que hacía mucho tiempo no sonaba..
Marcelo “Corbata” Corvalán, aprovecho para agradecer al público diciendo que ese Teatro Flores era una yapa inesperada que tuvieron que agregarlo por el hecho de que las dos fechas anteriores se hayan agotado.
También desmintió el rumor de que la banda iba a separarse. Contó que Andy va a ser papá y van a frenar algunas semanas para después volver. En ese momento Tery agarró el micrófono e incitó a que todos canten “no nos vamos nada que nos saquen a patadas”
“Virus Anti-amor”, “Humildad” y “El mar de las almas” fueron los responsables de cerrar el recital.
El grupo agradeció la convocatoria y comentó que en todos los lugares que tocan se sorprenden por la calidad de público que tiene la banda.
Ojos Locos presentó "Tocando Mañana"– Por Mauro Vallejos
Ojos Locos tocó en el Teatro Flores para presentar su nuevo disco “Tocando mañana”. Grande invitadxs como Mimi Maura coronaron la noche con su participación.
Cuelgan pájaros de papel del cielo del Teatro Flores, ese recinto que supo ser el trono donde Ojos Locos presentó tantos discos y hoy le abre sus puertas a “Tocando Mañana”.
“Polvo de alif”, es el elegido para arrancar la noche, a esta le sigue “Una parte del principio” y, luego de algunos problemas técnicos, “¿Qué cambia hoy?” y “La espuma de los días”.
La escenografía, diseñada por el ex Callejeros, Daniel Cardell, consta de una pantalla gigante que despliega visuales a lo largo de cada canción y un decorado muy sutil acorde a la gráfica del disco, cuelgan granadas de color blanco en hilera de un lado al otro del escenario.
Ojos va manejando los climas de una manera fantástica, después de la exaltación que produce “Puede ser hoy”, bajan un cambio para presentar a Carlos Fernández en la gaita y Mimi Maura en la voz. “Tiempo al tiempo”, la canción que grabaron junto a esta gran cantante, fue una de las más ovacionadas por toda la sala, un dúo sensible que llega a su punto más alto cuando Mimi recita el poema final, “¿Dónde andarás guerrero de ansiedades? ¿Quién habrá sido tu condena?”.
Luego quedaron solos el cantante Martín Martines, el tecladista Gabriel “Apu” Gerez y el guitarrista Juan Cabral para hacer una versión del tango “Melodías de arrabal” de Carlos Gardel y enlazarlo con “Vuelvo”.
El público esta extasiado y Martín levanta los brazos y arenga con su gorrito piluso. Debajo del bombo de la batería cuelga una remera, “Justicia por Kiki Lezcano”, una forma que tiene la banda para reclamar por todas las víctimas de gatillo fácil.
Antes de arrancar con “Monito”, las pantallas reclaman por la libertad a Callejeros y Martines aclara ”lo que antes era una lucha por la justicia, ahora es una lucha por la verdad” y menciona que es responsabilidad de todos los presentes concientizar acerca de lo que realmente ocurrió en Cromañón.
Para el final “Esta ciudad” detonó el recinto, es de esas canciones en las que la realidad pareciese transformarse y todos dejan la garganta como si fuese la última estrofa del mundo.
Algo particular en este disco es que compusieron todos los músicos de la banda y eso sumó una variedad con la que antes no contaban.
Además de Mimi Maura, “Tocando mañana”, cuenta con la participación de Skay Beilinson en “Rosa china amarilla” y la co-producción de Joaquín Rossón.
Ojos Locos es uno de los grupos que más ha caminado el under y se ha ganado un lugar de respeto gracias a su música y su responsabilidad social.
Hace más de una década que vienen sosteniendo el estandarte del rock barrial. No te duermas, seguro están tocando mañana.
Brancaleone en el Roxy – Por Mauro Vallejos
Brancaleone explotó el Roxy el sábado 20 de mayo con un show caliente y lleno de invitados.
Hay dos momentos de trance que se suelen repetir en los shows de Brancaleone: El primero es cuando el “Pelado” Martín Dufou se queda enredado en un mantra interminable que marca su público repitiendo una y otra vez el estribillo de “Descarrilador”. Mientras todos cantan, él sostiene una especie de sollozo melódico que acompaña la situación y la hace aún más emotiva.
El segundo es cuando se convierte en un perro dolorido en “El doguito” y canta en cuatro patas hasta quedar literalmente aullando en medio del escenario sostenido por una bola de distorsiones que comanda Marcelo Henín.
El otro brujo que domina la escena es “El Negro” José, que hipnotiza a todos con su brutalidad a la hora de tocar la batería pero también conmueve con su voz y su bombo legüero en “La pena no vale la vida”, una copla que se corona con el grito de un espectador, “¡Gracias Negro por hacerme llorar!”.
Todos tienen su momento estelar, también Alejo Urbani, cuando invita a Santiago Bogisich de Las Pastillas del Abuelo y Gonzalo Sosa de Santa La Banca para guiar un osado experimento: tres grandes bajistas argentinos tocando juntos “Sonrisa de oscuridad”. Y, por su parte, Eduardo Bonanni desata el baile de toda la sala cuando se para al frente con su acordeón y tocan “Gallita”.
Desde el principio con “La fe de Luí de Lafe” y “Viejo de mierda” el show no baja su climax en ningún momento con invitados como Toti Veigas de Simón Basta en la voz de “Elander” y Agustín Losada, armoniquista de Alasdies, y Hernan Sarubbi, baterista de Manijas, en “Milonga”.
Para el final sonaron “Corazón”, “No voy a parar de buscar” y “Vittoria”, esa canción heroica que le da nombre a la banda y que hace que el Pela pida un peine (si, ¡un peine!) y el celofán de un atado de cigarrillos para improvisar una trompeta majestuosa y desencadenar el pogo más festivo de la noche.
Branca se adapta a cualquier escenario, al de un comedor comunitario en una villa, o al de la grilla en un festival masivo, al de un bar con todas las mesas vacías y al de un Roxy repleto de magia y energía.
Duo Cantina y Los Caravana – Por Mauro Vallejos
El Club Atlético Fernandez Fierro tiene una magia particular, todos los presentes quedan impresionados antes su buen sonido y ese clima de intimidad tan particular que propone.
Los Caravana fueron los seleccionados para cerrar la noche con su gipsy jazz tan particular, integrados por dos guitarras, un violín y un contrabajo hicieron bailar a todos los presentes con varios clásicos y también canciones propias.
Los momentos más altos de la noche fueron cuando Shirlene Oliveira se subió a cantar, con su gracia particular, “Linyera” de Daniel Melingo, también Lucho Pellegrini generó un gran impacto con su percusión en el washboard y Felipe Correa de Los Espíritus acompañó en las maracas.
La banda tiene un despliegue musical impactante que no baja la calidad en ningún momento, se turnan los solos entre cada instrumento y para cerrar eligen “Milonga triste” y “Ojos negros”
Antes Sofía Viola y Santiago Moraes habían dejado caliente el escenario con las canciones del tan particular dúo cantina (también acompañados por Felipe en la percusión).
Sonaron canciones como “Los borrachines”, la chacarera “Caballero de la noche” y una reversión de “Perdida en el fuego” que esta incluida dentro del último disco de Los Espíritus, “Agua Ardiente”.
Hubo tiempo también para que cada uno cante en solitario, Santiago Moraes hizo un blues que habla sobre un muchacho que camina con el pantalón pisado por la zapatilla y el parpado pesado por la ventanilla y “Los Boliches” de Alfredo Zitarrosa y Sofía cantó una chacarera a la luna y un blues amoroso llamado “La Semilla”.
Una fecha llena de música independiente y creatividad en el CAFF.
Condición Humana – Por Mauro Vallejos
La banda celebró sus seis años con un show emblemático en La Quince el sábado 1 de abril presentando “Lo que somos”, su segundo disco. Por Mauro Vallejos El guitarrista Alejandro Perucha se prende fuego en uno de esos tantos solos acelerados que lo particularizan, abajo la monada acompaña con palmas y banderas. Hay una efusión en el ambiente de esas que sólo ocurren cuando se presenta un disco nuevo. “Sin verse” y “Poco cardón achuma” abren el show, le siguen “Antes de un adiós” y “Soñar rocanrol” sumada a “El rayo de tu sol” de “Doctus Filo”, su disco anterior. “Rollos no te alcanza para esta historia registrar” canta Gaspar Badano en “Puedo ver” y se podría decir que el sábado pasado se vivió una de esas películas en que la trama es dura pero el desenlace victorioso. Brota una emoción en el aire que contagia a todos los que están ahí, cada composición valió la pena. Como Condición Humana es una banda comunitaria el escenario se llena de músicos amigos, desde una flauta traversa y un bombo legüero en “Disfruten el momento”, pasando por grandes coristas, percusionistas, y la guitarra de Gastón Oroño. “¡Voy a bailar en tu sonrisa ahora!” gritan los presentes con “Media en la mano”, una de las más festejadas, seguida de “Canciones y almas” de Callejeros y “Héroe Terrenal” con El Colo, cantante de Invencibles, de invitado. Para cerrar la noche sonó “Luchando al porvenir”, una declaración de principios. El show del sábado dejó impreso para siempre lo que se consigue luego de tanto esfuerzo y años en el camino.
Sofía Viola en Roseti – Por Mauro Vallejos
La cantautora se presentó en el recinto de Colegiales para celebrar el “Ciclo Magia” como cada jueves de marzo. Juanito El Cantor preparó el panorama para una noche de guitarras criollas.
El clima pareciese asemejarse más a una reunión familiar que a un concierto, no hay escenario y Viola hace todo lo posible por romper esa barrera entre cantante y público. Se equivoca y se ríe, todos se ríen.
Dentro del mitín, Juanito El Cantor oficia de “telonero” con Nicolas Soares Netto en la percusión. La lista de temas es un éxito: va desde dudas existenciales, hasta escenas ponográficas, pasando por el amor y la libertad, la libertad siempre presente tratando de unir todo el concepto.
Desde que Sofía se fanatizó con Violeta Parra, intentó hurgar cada vez más en la vida del pueblo chileno y, como parte de su familia viene de dicho país, compuso una canción llamada “El vals de mi abuelita” que relata todas las travesías luego de cruzar los Andes. También cantó “El Albertío” de Violeta y hasta se animó a hacer la cueca “Dale gusto al cuerpo, niña”.
Para abrir el show eligió “Martín duerme”, de su primer disco, pero la gran mayoría de las canciones que hace en vivo no están editadas, lo que demuestra una creatividad inmensa para escribir letras y componer todo tipo de estilo musical.
Los asientos del recinto están agotados y hay hasta algunas personas paradas, todos son cómplices de ese momento de intimidad en el que Sofía presenta temas nuevos y pide, con su gracia de siempre, que no sean filmados.
Se rinde culto a la letra simple y emotiva. Suenan composiciones de todos los tiempos: “Respirar el alba”, dos chacareras que hablan sobre un viaje de ida y otro de vuelta en el tren de Temperley a Haedo y “Urruguai”. Para el final aparece “Con Gaspar al Mar”, una cumbia de amor trágico, y “Entre el recuerdo y el rencor” junto a Juanito y Nicolas.
Sofía se renueva, en todos estos jueves trató de nunca repetir la lista de temas y promete que para el próximo la acompañarán un trompetista y un pianista. Un buen motivo para volver a llenar la sala con ese clima de intimidad y celebración.
Pez y Morbo y Mambo explotaron la Fiesta Clandestina
Pez se presentó junto a Morbo y Mambo en Groove el viernes 6 de enero. Una potente combinación para la primer Fiesta Clandestina del año. Lo de Morbo y Mambo en escena es algo apasionante: un puñado de músicos que pareciese estar en trance total con lo que están tocando. Cada arreglo es pensado con precisión, cada instrumento que se mete es exacto y cada vez que termina una canción se siente un vacío total en el ambiente que ningún aplauso puede llenar. Formados por batería, bajo, guitarra, teclados y trompeta pasean por ritmos como el funk, el dub, la música electrónica y otras yerbas. El público termina inmerso en esos instrumentales interminables. Una de las pocas bandas que puede tocar después de semejante hecho musical es Pez, porque la guitarra de Ariel Minimal también tiene ese viaje, ese sonido, preciso en cada tema. Desde el arranque con “Lo que se ve no es lo real” el recinto se inunda de ese mar de canciones tan diversas y con letras tan contundentes como las de las que siguen “Introducción, declaración, adivinanza”, (“¡no tengo nada que ver con tu idea de rock!”), “De la vieja escuela del amor” y “Desde el viento en la montaña hasta la espuma del mar”. Como son un banda que no para de componer y grabar discos, el viernes aprovecharon para presentar dos temas nuevos. La base que arman Fósforo García en el bajo y Franco Salvador en la batería se entrelaza perfecto con Juan Ravioli que por momentos toca el teclado y por momentos la guitarra. Para cerrar el primer show del año sonaron “Haciendo real el sueño imposible” y “Último acto”. Tanto Pez y Morbo y Mambo son bandas que supieron hacerse un lugar en la escena tocando una música que nadie hace, con un profesionalismo y una impronta independiente que embellece su propuesta.
PUM - Cuando la comunión de músicos saca sus frutos
PUM se presentó en el teatro Caras y Caretas de la calle Sarmiento 2037 para cerrar el año junto al quinteto de Mariano Delgado y el piano talentoso de Armando Pepe.
Un enganchado entre el instrumental “Odín” y “Fuego” dio inicio al show de Pum en el Caras y Caretas 2037. Antes pasaron cosas alucinantes, como que Lito Vitale se suba a tocar con el quinteto de Mariano Delgado y también con Armando Pepe, el gestor de todo este festival que se caracterizó por la comunidad entre los músicos. Todos los que tocaban, luego subían como invitados del otro grupo. El show de PUM tuvo invitados fuertes como fue el guitarrista Sebastián Lans de Huevo en “Biología bipolar” pero la que desbordó el escenario de energía fue Lula Bertoldi sumando su voz carrasposa a “Rayo”. La banda en general tuvo una estética muy cuidada donde todos vestían remeras multicolores y funkeaban al ritmo del momento. El cierre fue con “Prisma” dejando a la gente con ganas de más. Cuando las bandas se ayudan entre sí surgen cosas como este gran festival que pasó por varios estilos musicales distintos, siempre con el profesionalismo y la creatividad como eje.
Carajo festejó su cumpleaños número 15 en el Luna Park
El fan de Carajo sabe que cuando la banda toca en el Luna Park arma un show único. Lo que se vivió el sábado no se vió nunca en la historia de los grupos del rock argentino. No existe nadie que haya hecho semejante puesta en escena y que además suene como suenan ellos, que se la juegue como se la juegan de manera independiente. Una cortina de leds esta tendida delante de los músicos, sin embargo se ven sus siluetas. Cuando inicia el show, en la pantalla se proyectan imágenes de sus cuerpos en gigante, los Goliat del heavy metal conquistan una vez más el palacio de los deportes. Y no, no hay explicación para el sonido que se esta emitiendo, el volumen al palo, con la nitidez exacta para distinguir a cada uno de esos animales enjaulados de visuales. Imágenes por todos lados, delante de ellos, detrás, debajo. Lo animal siempre presente: perros y cabras tridimensionales al estilo de la tapa del DVD, caballos que galopan al ritmo de la canción, ojos salvajes y coloridos que se los quieren comer crudos. Para “Chico granada” tres jóvenes encapuchados, para “El Error”, sus caras gigantes gritando perfectamente sincronizado. A Carajo le sale todo bien, incluso dos de los invitados clave para el EP de 4 temas que tenían que presentar como Ciro Pertusi y Walas de Masacre no pudieron asistir y las visuales los suplantan con videos de estos cantando a cámara. Ciro se muerde los labios por ese amor “Constrictor” y Walas le canta a cientos de robotitos que rodean la estética de “Invisible” Pero hubo millones de invitados, desde Marcelo Telechea en teclados y el productor Ale Vazquez en guitarra, pasando por un héroe punk como Luciano de Attaque 77 que suma su bajo a “Humildad” y las ramoneras “The KKK took my baby away” y “Blitzgrieg bop”. La familia dice presente cuando invitan a Miguel Botafogo (Don Vilanova, padre de Andy) en la guitarra de mesa y a Julieta Corvalán, hija de Corbata, en la voz de “El llanto espiritual” y “De frente al mar”. Knario de Plan 4 es uno de los puntos más altos de la noche, le da ese dinamismo de correr por todo el escenario, agitar su adrenalina y revolear su pelo largo por cada recoveco en “Cicatriz”, la festividad de “Joder” y la torta del cumpleaños número 15. Luego, Fernando Ruiz Diaz de Catupecu Machu suma su guitarra y voz a “Maleficio” El sonido tiene una potencia inexplicable, Corvata agradece a todos los presentes y a ese aura familiar que los rodea. Para el final suenan “Sacate la mierda” y “Pura vida”. El show termina y la gente se queda aplaudiendo hasta el último minuto. No es para menos, tanto el sonido como aquel “mesh” que los tapaba desde el principio e intercalaba con las pantallas HD de fondo fueron algo que reforzaron la idea que tenemos todos: que Carajo tal vez no sea una banda que crezca demasiado en popularidad, pero su crecimiento musical y escénico se ve plasmado en cada concierto.
David Lebón en "La Trastienda"
David dice que es su gran amigo, que se quieren un montón, que lo ayudó mucho en los momentos más difíciles y que él también trato de ser amable en todas las circunstancias. Ni bien Pedro pone un pié en el escenario el público se sumerge en una ovación imponente, “Esperen que todavía ni toqué”, dice el bajista, pero es que la dupla Lebón-Aznar, Aznar-Lebón, es una de esas que nunca te fallan. Pero antes de eso pasaron muchas cosas, sonaban canciones como “Esperando nacer”, “Mundo agradable”, la presentación de un rock clásico que estará en un disco próximo a salir y la invitación a la armoniquista Natacha Seara para hacer “Copado por el diablo” De abajo le gritan “¿Tenes que tocar mas seguido, Ruso!” y el se ríe y contesta “Es difícil a los 64 años, después de todo lo que consumís, estar mas o menos flaco y bien de la cabeza”. “El Ruso” tiene un manejo del escenario impecable. Le traen unas tumbadoras y humorea, “voy a hacer percusión con el pitulín”, para seguir con “En la vereda del sol”. Mas tarde, un set acústico nos estremece el corazón con canciones como “Parado en medio de la vida”, “Nos veremos otra vez” y “San Francisco y el Lobo” “Voy a invitar a unas amigas, en realidad a dos amigas y un amigo”, para dar paso a Eruca Sativa que se apropian del escenario para hacer una versión pulenta de “Despiértate nena” en donde Lula Bertoldi intercambia solos con el anfitrión de la noche. Luego, el momento mencionado, la ovación a Pedro Aznar que mueve sus dedos en el bajo como las mismas arañas que lo cuidan en “Casas de arañas”. Luego, Aznar dice, “Por qué no le contas a la gente a qué edad compusiste esta joyita?”, para dar inicio al clima tétrico de “Noche de perros”, una canción que Lebón compuso cuando tenía sólo 18 años. Cuando se baja el invitado, “Seminare” mantiene esa emotividad en el ambiente y, para el cierre, la festiva “Sueltate Rock And Roll” de Polífemo. El Ruso se desliza sobre el mástil como nunca, “Ustedes aplauden como si fuese la primera vez y estas canciones son más viejas que yo”. El brillo en sus ojos dice que sigue teniendo las mismas ganas de tocar rock and roll.
Peteco Carabajal - "Rienda Suelta"
Peteco Carabajal deslumbró en el Club Atlético Fernández Fierro con una banda que integra con dos de sus hijos. Un show intenso y plagado de canciones inéditas e invitados. Peteco le saca fuego a su violín. Camina entre las mesas y los presentes le van abriendo paso. Carabajal despierta a todas las generaciones. Completamente impredecible es lo que va a ocurrir en el show. Tiene mucha improvisación. Los instrumentos también son impredecibles, Peteco puede tocar el violín, la guitarra criolla, la eléctrica o el bajo. Su hijo Homero tiene una voz muy dulce y toca tan bien como su padre, su hija Martina Ulrich es sumamente creativa a la hora de tocar la percusión, tiene una batería a la que le agrega muchos accesorios que acompañan impecablemente. El público se retira con el corazón lleno de folclore. ( por Mauro Vallejos)
Homenaje a Homero Manzi
“Homero: el color de la sudestada” es la mejor forma de conocer a Manzi, entender sus inquietudes, sus versos, su historia. Roxana Fontán se prende fuego en cada cantar, se vuelve una cosa inerte que sólo se puede explicar con ese cosquilleo en la piel cuando se eriza. Una voz llena de academia y estudios musicales pero también llena de arrabal, de tango bailado, de historia viva. El Chino Laborde deslumbra con su actuación y su cantar, el papel de Homero le queda perfecto y lo interpreta con muchísima pasión La militancia política esta siempre presente, desde sus años radicales y su lamento por la muerte de Yirigoyen hasta la llegada del peronismo y ese color de la sudestada. Se ve su lamento por el golpe militar del 30 y su encarcelamiento durante los años de la década infame. La obra esta integrada por cantores majestuosos como Claudio Garcés y los tangos se cargan una buena cuota emotivo-narrativa de la historia. La dirección musical a cargo de José Luís Castiñeira de Dios es tan impecable como la dirección general de Leonardo Napoli. Durante todo el espectáculo suenan clásicos como “Bettinotti”, “Barrio de tango”, “Milonga del 900” y “Malena”, donde Fontán se lleva los aplausos más ruidosos de la noche por una interpretación excepcional. Al final los presentes ovacionan colmados de emoción. Una vida dedicada a la poesía y al compromiso social.
Ojos de Cristal - Conociendo Bandas Nuevas
Ojos De Cristal es una banda de Merlo que viene dando shows muy cálidos por el país, desde el Cosquín Rock hasta los bares más recónditos de under. Con la excusa de su primer videoclip, “Esperándote”, charlamos con Tom Blu, su guitarrista, que nos cuenta de la actualidad de la banda y sus planes a futuro. ¿Cuál es el horizonte de la banda para este año? En lo que resta del 2016 terminamos la presentación del primer disco, "Rasguñando el Sueño Eterno". Tocaremos alrededor de 20 o 30 veces en diferentes lugares del conurbano, y de ser posible, viajaremos a Córdoba. La gira interbarrial que iniciamos en febrero de 2015 en el Casquín Rock termina en 2017, en el mismo festival, para darle paso a la grabación del segundo disco. El nuevo material esta en gran parte terminado, tenemos que laburar todavía sobre las canciones y el tipo de arte, pero tenemos la esencia clara de lo que la banda quiere brindarle a su público, va ser un álbum con letras muy profundas y como estamos acostumbrados, musicalmente vamos a utilizar todos los subestilos del rock posibles. ¿Cómo surgió el nombre del disco? "Rasguñando el Sueño Eterno" sale directamente de la canción "Eternas Noches", esa frase, junto a otras, representa de alguna manera el valor del esfuerzo, durante años lanzamos demos y diferentes trabajo musicales, pero ninguno editado de manera profesional. El concepto es simple: nuestro sueño sigue latente y con mucha fuerza, solo llegamos a rasguñarlo, con trabajo y sacrificio algún día lo podremos alcanzar. ¿Qué rescataron de todas las veces que participaron del Cosquín Rock? Cosquin Rock es la excusa perfecta para irnos de vacaciones todos juntos, por supuesto que nos llena de orgullo estar ahí, y que es un empujón publicitario y una carta de presentación para laburar durante el resto del año. Pero no deja de ser el momento donde nos encontramos como amigos, pasamos días inolvidables, para bien y para mal. Volveríamos aún sin tocar en el festival, por que la energía nos pasa por otro lado.
Cientificos del palo
Los pichoncitos de la oligarquía/ duermen sabiendo que algún día/ serán los dueños de una gran porción,/ de un pedazo de esta nación" Científicos baja los decibeles pero no pierde lo contestatario. Tampoco su calidad musical, hasta los funkys más rabiosos son versionados impecablemente con un cuarteto de cuerdas de fondo. Pasan "Tarde" y "Dos"
Las puteadas tampoco se ausentan, ese hermoso y original diálogo que existe entre la banda y su público: "!Aprendé a cantar!", “Largá el fernet, ¡borracho!”
Pero cuando Liliana Herrero se sube a cantar esa “Zamba en braile” pareciese que el tiempo se detiene. Humorea comentando “No se por qué me invitan a cantar zambas, si yo se cantar rock and roll”, dice que no se aprendió la letra pero cuando canta su voz traspasa las paredes del teatro. Un deslumbrante manejo de la situación, desde cuando festeja un arreglo de guitarra hasta cuando se confunde y pide que se vuelva a repetir la estrofa hasta incendiarnos a todos, hasta convertirnos en un mar de emoción cuando entona a los gritos esa hermosa frase de que “Aunque tu envase se haya vencido,/ vos te quedas conmigo”.
Esta toda la familia de Pepo, pero no presente en el lugar, esta toda su familia en las canciones, esta su hijo en "Todo", su hija en "Prólogo". También sus amigos de la infancia como José Teixedo, de Amores Tangos, que anteriormente se subía con el bandoneón en “El dormijito”.
Sebastián es un animal creativo de la percusión, activa bases rítmicas desde una computadora y lo cargan diciendo que esta revisando el homebanking. Y Popete es ese tipo al que todos adoran por sus líneas de bajo y por su forma de ser hasta ser ovacionado con el clásico “Popete se la come/ Popete se la come”
Para el final suenan “Civilización y barbarie”, “Cierra el almacen”, “Los gomías” y “Mantenerse en el camino”
Los Científicos tienen razón: tarde o temprano tu bondi llega a destino.
Cinema Verité, un homenaje impecable a Serú Giran
Cinema Verité se presentó en el teatro Caras y Caretas 2037 para rememorar las melodías compuestas por aquel seleccionado deslumbrante de músicos llamado Serú Giran.Tal vez, sea la era de las reversiones, tal vez estemos necesitados de volver a oír aquellas melodías que nos cruzaron el cuerpo y nos quebraron la voz.
Si todo esto es así, Cinema Verité tiene la precisión para tocar en la médula de esos clásicos inolvidables, ese sintetizador de “Peperina”, esa base rítmica indescifrable en “Autos jets aviones, barcos”, ese “naranana” que corea en “Noche de perros”.
El show arranca con “No llores por mi, Argentina” y el viaje a las entrañas de Serú Giran da su inicio. La tarea del baterista, que es simular lo que Oscar Moro hacía con sus palillos, es realizada con grandeza.
En medio del show se toman un intermedio de algunos minutos para descansar y de fondo pasan audios de entrevistas. Una donde Moro explica que el nombre del grupo se les ocurrió a Charly y Lebón luego de un viaje a Buzios donde inventaron un dialecto de donde salieron otras palabras como “Lumineida” y “Eiti-Leda”. También otra donde García comenta que “se supone que el arte es más grande que la vida” y explica su manera de crear historias a la hora de componer.
A la vuelta, la canción que da nombre a la banda nos destroza el corazón seguida de “Perro Andaluz”, “Popotito”, “Cuánto tiempo más llevará” y “Seminare” con Eve Aznar en la voz.
Para el cierre del show amagan una despedida con “Canción de Hollywood” y, luego del pedido de bises, el escenario se prende fuego con la mística de “Eiti-Leda”
Si no sos amigo de los tributos, Cinema Verité es una banda para cambiar esa perspectiva.
Dacal y una década cantada en el Xirgú
La década cantada de Pablo Dacal es un viaje hacia poesías de todos sus tiempos y ritmos musicales que recorren el mundo. El final del show lo encuentra entre el público entonando a capella “El corazón es el lugar”. Se lo ve sereno, como después del huracán que lo llevó a compartir escenario con una banda numerosa e invitados de la talla de Pablo Grinjot en los teclados y Daniel Melingo en el clarinete.
Pero el clima no es el de un recital normal, cuando entramos al teatro sólo hay sillas en su periferia y en el medio del salón hay montones de niños corriendo con sus zapatillas de luces, jugando a las escondidas, saltando por ahí. Dacal por momentos les habla como si fuesen adultos y los niños lo miran compenetrados, luego siguen jugueteando.
También hubo momentos de paz, como cuando musicalizó “Nada en la televisión” de Pipo Lernoud sólo en el escenario y acompañó con sus maracas “Vuela el Pez”, esa bachata dedicada a su hija Eva.
El inicio del show es con “No podrás matarme”, donde incentivo a que todos ocupen el centro del salón para bailar continuando con “El tren de la canción”, “Volveremos” y “Ella ya esta en la playa”.
Los invitados desfilan con grandeza y cada uno se acopla perfecto, desde Ulises Conti en los teclados pasando por Manuel Oniz en la voz hasta Milo Moya en el bit box.
El show esta rodeado de emociones, son muchas las personas que se acercaron al Xirgú y Pablo insiste en que a la gran mayoría hace 10 años que les ve la cara. Esa relación sentimental-temporal será lo que le fluye por el cuerpo cuando corre por el escenario y se tira al suelo con su traje blanco y su remera rosa, cuando cierra los ojos y entona cada canción haciendo que todos esos años de música hayan tenido sentido.